Wyniki egzaminu

Nowy egzamin

Informacje o egzaminie:

Zawód: Technik fotografii i multimediów
Kwalifikacja: AUD.02 - Rejestracja, obróbka i publikacja obrazu
Data rozpoczęcia: 1 stycznia 2026 21:49
Data zakończenia: 1 stycznia 2026 22:02

Egzamin niezdany

Wynik: 11/40 punktów (27,5%)

Wymagane minimum: 20 punktów (50%)

Udostępnij swój wynik

Facebook

X.com

Szczegółowe wyniki:

Pytanie 1

Jaka jest minimalna odległość przedmiotowa (x) od fotografowanego obiektu, w której powinien być umieszczony aparat z obiektywem o ogniskowej f, aby uzyskany obraz optyczny był rzeczywisty, odwrócony oraz dwukrotnie pomniejszony?

A. x > 2f

B. x = 2f

C. x = f

D. x < f

Umieszczenie aparatu w odległości mniejszej niż ogniskowa, jak w przypadku x < f, prowadzi do powstania obrazu wirtualnego. Taki obraz nie jest widoczny na filmie czy matrycy aparatu, co czyni tę odpowiedź nieprawidłową. W przypadku odległości równej ogniskowej (x = f) również uzyskujemy obraz wirtualny, a nie rzeczywisty. Obiekt znajdujący się blisko ogniskowej jest trudny do uchwycenia w kontekście fotografii, ponieważ efekt końcowy jest nieodpowiedni dla standardowych zastosowań, takich jak portrety czy krajobrazy, gdzie wymagane są obrazy rzeczywiste. Z kolei, przy wyborze x = 2f obraz jest rzeczywiście uzyskiwany, ale nie jest pomniejszony; jest w skali 1:1, co nie spełnia wymagań dotyczących uzyskania obrazu dwukrotnie pomniejszonego. Typowym błędem w myśleniu jest mylenie odległości ogniskowej z odległością, w jakiej aparat powinien być umieszczony, co prowadzi do nieporozumień w zakresie podstawowych zasad optyki foto. Dlatego kluczowe jest zrozumienie, jak ogniskowa wpływa na powstawanie obrazu oraz odpowiednie dobranie odległości do celu fotografowania, co jest fundamentalne w profesjonalnej praktyce fotograficznej.

Pytanie 2

Aby wyeliminować odblaski pojawiające się na uwiecznianym obiekcie, należy w trakcie rejestrowania obrazu zastosować

A. blendę

B. filtr polaryzacyjny

C. filtr kolorowy

D. strumienicę

Filtr polaryzacyjny to zaawansowane narzędzie stosowane w fotografii, które skutecznie redukuje refleksy i odblaski na powierzchniach takich jak woda, szkło czy błyszczące metale. Działa poprzez blokowanie światła spolaryzowanego, co pozwala na uchwycenie bardziej wyrazistych i nasyconych kolorów. Przykładowo, w fotografii krajobrazowej użycie filtru polaryzacyjnego może znacznie poprawić kontrast nieba, eliminując refleksy świetlne od wilgotnej ziemi lub wody. Ponadto, filtr ten przyczynia się do zwiększenia przejrzystości i detali w scenach, co jest szczególnie istotne w przypadku zdjęć wykonanych w trudnych warunkach oświetleniowych. Dobrym praktykom w fotografii zaleca się stosowanie filtru polaryzacyjnego także w fotografii portretowej, gdzie może on zredukować niepożądane odblaski na skórze modela. Ważne jest, aby pamiętać, że filtr polaryzacyjny wpływa również na ekspozycję, dlatego należy dostosować ustawienia aparatu w celu uzyskania optymalnych rezultatów.

Pytanie 3

Zamieszczony na fotografii portret wykonano, wykorzystując oświetlenie

A. dolne.

B. górne.

C. tylne.

D. boczne.

Odpowiedź "boczne" jest poprawna, ponieważ na podstawie analizy zdjęcia można zauważyć, że światło pada na postać z boku. W fotografii portretowej oświetlenie boczne jest często stosowane, aby uzyskać bardziej trójwymiarowy efekt i podkreślić kształt oraz rysy twarzy. Oświetlenie to tworzy wyraźne różnice w jasności między oświetloną a zacienioną stroną twarzy, co pozwala na uwydatnienie faktury skóry oraz detali, takich jak kości policzkowe czy kontury szczęki. Przykładowo, fotografowie często korzystają z reflektorów lub softboxów ustawionych pod kątem, aby uzyskać subtelne cienie, które dodają głębi i charakteru portretu. Dobrym przykładem zastosowania oświetlenia bocznego jest portret wykonywany w warunkach naturalnych, gdy światło słoneczne pada z boku, co może stworzyć dramatyczny efekt, a jednocześnie ukazać naturalne piękno modela.

Pytanie 4

Aby uzyskać jednorodne, bezcieniowe oświetlenie obiektów w fotografii katalogowej, jakie rozwiązania powinno się zastosować?

A. kolumnę reprodukcyjną i lampę błyskową z wrotami

B. stół bezcieniowy i lampę z soczewką Fresnela

C. kolumnę reprodukcyjną i strumienicę

D. stół bezcieniowy, lampy z softboxami i białe blendy

Stół bezcieniowy, lampy z softboxami i białe blendy to świetny zestaw do fotografii katalogowej. Używając stołu bezcieniowego, możesz uniknąć cieni, co jest mega ważne, żeby pokazać produkty jak najbardziej naturalnie. Lampy z softboxami rozpraszają światło, dzięki czemu cienie są łagodniejsze i wyglądają bardziej naturalnie, a białe blendy pomagają odbić światło, co jeszcze bardziej poprawia jakość. Kiedy fotografujesz ubrania czy biżuterię, taki zestaw daje naprawdę fajne efekty wizualne i wiernie oddaje kolory oraz fakturę. Dobrze jest też igrać z kątami padającego światła, bo to może zmienić cały obraz. W fotografii dążymy do jak najlepszego wyglądu, a ten sprzęt na pewno pomaga to osiągnąć.

Pytanie 5

Które parametry powinien posiadać plik zdjęciowy przeznaczony do zamieszczenia w Internecie?

A. Tryb barwny RGB oraz rozdzielczość 600 dpi

B. Tryb barwny LAB oraz rozdzielczość 300 dpi

C. Tryb barwny sRGB oraz rozdzielczość 72 ppi

D. Tryb barwny CMYK oraz rozdzielczość 96 ppi

Tryb barwny sRGB i rozdzielczość 72 ppi to absolutny standard, jeśli chodzi o przygotowanie zdjęć do Internetu. Moim zdaniem czasami ludzie trochę się tym ppi pogubią, ale w praktyce większość monitorów i tak wyświetla w okolicy 72–96 ppi, więc nie ma sensu wrzucać zdjęć w wyższej rozdzielczości, bo to tylko niepotrzebnie zwiększa wagę pliku. Co do trybu barwnego — sRGB powstał właśnie na potrzeby ekranów komputerowych i urządzeń mobilnych. Każda przeglądarka, Facebook, Instagram czy inne serwisy internetowe ‘rozumieją’ sRGB najlepiej. Gdy wrzucisz plik w innym trybie, kolory potrafią się rozjechać, robią się jakieś dziwne odcienie czy przygaszone barwy. Z mojego doświadczenia, grafik czy fotograf, która nie przekonwertuje zdjęcia do sRGB, często jest potem rozczarowana efektem końcowym na stronie. Warto też pamiętać, żeby nie przesadzać z rozdzielczością, bo im większa, tym dłużej ładuje się strona — a przecież nikt nie chce czekać na zdjęcia w internecie. Standard sRGB i 72 ppi daje nie tylko dobre odwzorowanie kolorów, ale i szybkie ładowanie. To taki kompromis pomiędzy jakością a wydajnością, dlatego zawsze polecam ten zestaw parametrów przy pracy z plikami na WWW.

Pytanie 6

Które narzędzie służy do korekcji zdjęcia poprzez kadrowanie?

A. A.

B. C.

C. B.

D. D.

Odpowiedź C jest prawidłowa, ponieważ ikona kadrowania w programie Adobe Photoshop jest kluczowym narzędziem umożliwiającym precyzyjne korekty zdjęć poprzez ich przycinanie. Kadrowanie to proces, w którym wybieramy określony obszar obrazu, eliminując niepożądane fragmenty i poprawiając kompozycję wizualną. Przykładowo, kadrowanie pozwala na usunięcie zbędnego tła lub uwydatnienie głównego tematu zdjęcia, co jest szczególnie istotne w fotografii portretowej lub produktowej. Warto również wspomnieć, że dobrze wykadrowane zdjęcia są zgodne z zasadą trzecich, co sprawia, że obraz staje się bardziej atrakcyjny wizualnie. Ponadto, efektywne kadrowanie wspiera także optymalizację zdjęć do publikacji online, gdzie proporcje obrazu mogą mieć znaczenie dla zachowania jakości. W kontekście standardów i dobrych praktyk w obróbce zdjęć, kadrowanie stanowi fundamentalny krok w procesie tworzenia profesjonalnych i estetycznych fotografii.

Pytanie 7

Podczas robienia zdjęcia do paszportu, twarz osoby powinna być ustawiona

A. na wprost obiektywu z odsłoniętym lewym uchem

B. lewym półprofilem z odsłoniętym lewym uchem

C. na wprost obiektywu z odsłoniętym czołem i obydwoma uszami

D. prawym półprofilem z odsłoniętym prawym uchem

Wybór niewłaściwej pozycji twarzy, jak półprofil czy ustawienie na bok, może prowadzić do różnych problemów, w tym do odrzucenia zdjęcia przez instytucje zajmujące się wydawaniem dokumentów. Pozycje takie jak prawy półprofil czy lewy półprofil nie spełniają wymogów dotyczących jednoznacznej identyfikacji osoby, ponieważ ograniczają widoczność rysów twarzy, co jest kluczowe dla systemów rozpoznawania biometrycznego. Ujęcia z odsłoniętym tylko jednym uchem ograniczają również zdolność do oceny cech charakterystycznych, co może prowadzić do trudności w potwierdzeniu tożsamości. Dodatkowo, niektóre z danych odpowiedzi mogą sugerować ignorowanie ważnych detali, takich jak poprawne oświetlenie czy tło, które również mają istotny wpływ na jakość zdjęcia. Zrozumienie tych zasad jest kluczowe, aby uniknąć typowych błędów, na przykład nieumiejętności zaprezentowania pełnego obrazu twarzy, co może skutkować koniecznością ponownego wykonania zdjęcia i związanych z tym kosztów oraz strat czasowych. Fotografując, należy zawsze kierować się wytycznymi i standardami branżowymi, aby zapewnić, że zdjęcie spełnia określone normy, co ma kluczowe znaczenie w kontekście dokumentów tożsamości.

Pytanie 8

Jakiego filtru należy użyć, aby uzyskać delikatny efekt klasycznej fotografii w odcieniu sepii?

A. Połówkowy

B. Szary

C. Konwersyjny

D. Polaryzacyjny

Użycie filtrów takich jak polaryzacyjny, połówkowy czy szary w kontekście uzyskania efektu sepii jest nieadekwatne i może prowadzić do mylnych wniosków. Filtr polaryzacyjny, na przykład, służy do redukcji odblasków oraz zwiększenia nasycenia kolorów, co jest pomocne w fotografii krajobrazowej. Niemniej jednak, jego właściwości nie są zgodne z celem uzyskania tonacji sepii, która wymaga intensyfikacji specyficznych ciepłych tonów. Z kolei filtr połówkowy, który jest używany do wyrównania różnic w ekspozycji pomiędzy jasnymi a ciemnymi obszarami obrazu, nie wpływa na kolorystykę w sposób, który pozwalałby uzyskać efekt sepii. Zastosowanie filtra szarego, który obniża ilość światła docierającego do matrycy aparatu, również nie odpowiednio wspiera zamierzony efekt, gdyż skupia się na kontroli ekspozycji, a nie na manipulacji kolorami. To niezrozumienie praktycznego zastosowania filtrów i ich właściwości prowadzi do błędnych wyborów w procesie twórczym. Dobrze jest zrozumieć, że każdy filtr ma swoje specyficzne przeznaczenie, a ich wybór powinien być przemyślany w kontekście zamierzonego efektu artystycznego.

Pytanie 9

Aby skopiować obraz kolorowy techniką subtraktywną, należy użyć powiększalnika z głowicą

A. aktyniczną

B. kondensorową

C. filtracyjną

D. z oświetleniem punktowym

Jak wybierzesz zły typ powiększalnika, to mogą wyniknąć spore problemy z kolorowymi reprodukcjami. Na przykład, powiększalnik światła punktowego, który nie rozprasza światła, może naświetlać papier nierównomiernie. A to z pewnością wpłynie na jakość odbitek. Podobnie, powiększalnik aktyniczny jest przeznaczony głównie do czarno-białych zdjęć, więc w technice subtraktywnej nie zagra. Jego konstrukcja i źródło światła do końca nie wspierają odejmowania kolorów. Z drugiej strony, powiększalnik kondensorowy nadaje się do czarno-białych odbitek, ale nie jest najlepszym wyborem do kolorów, bo nie ma takiej elastyczności w korekcji kolorów jak głowica filtracyjna. Często błędnie myśli się, że powiększalniki można stosować zamiennie, ale to jest daleko od prawdziwych zasad w fotografii. W kontekście druku fotograficznego kluczowe jest rozumienie, jak różne źródła światła wpływają na naświetlanie i jakie cechy powinien mieć sprzęt, żeby dobrze odwzorować kolory.

Pytanie 10

Materiał fotograficzny przeznaczony do robienia zdjęć w podczerwieni powinien być wrażliwy na promieniowanie o długości fali

A. większej od 700 nm

B. zawartej w zakresie 500-600 nm

C. mniejszej od 400 nm

D. zawartej w zakresie 400-500 nm

Materiał fotograficzny nie może być uczulony na promieniowanie zawarte w przedziałach 400-500 nm, 500-600 nm ani mniejszymi od 400 nm, ponieważ te zakresy fal należą do widma światła widzialnego. Odpowiedzi te sugerują, że materiały te reagują na promieniowanie, które jest dobrze widoczne dla ludzkiego oka, co jest niezgodne z zasadami fotografii w podczerwieni. W praktyce, fotografowanie w tych zakresach nie pozwoli na uchwycenie informacji, które są obecne tylko w podczerwieni. Przy wyborze materiałów fotograficznych istotne jest zrozumienie, że każdy zakres fal elektromagnetycznych ma swoje unikalne właściwości. Na przykład, fale o długości fali 400-500 nm odpowiadają za niebieskie i zielone światło, natomiast 500-600 nm obejmują zielenie i żółcie. Procesy detekcji w tych zakresach są zupełnie inne niż w zakresie powyżej 700 nm, gdzie mamy do czynienia z promieniowaniem podczerwonym. Typowym błędem myślowym jest mylenie widma światła widzialnego z podczerwonym. W fotografii, aby uzyskać obrazy oparte na podczerwieni, należy używać specjalnych filtrów i materiałów, które są zaprojektowane do detekcji fal elektromagnetycznych w tym zakresie, co wyraźnie podkreśla konieczność właściwego doboru urządzeń oraz niezbędnych akcesoriów w procesie fotograficznym.

Pytanie 11

W celu wyeliminowania czerwonych kropek widocznych na zdjęciu należy skorzystać z narzędzia zaznaczenia, a następnie w programie Adobe Photoshop wybrać polecenie

A. Filtr/Inne/Górnoprzepustowy.

B. Edycja/Wypełnij/Uwzględnienie zawartości.

C. Edycja/Wypełnij/Przeplatany.

D. Filtr/Inne/Przesunięty.

Polecenie Edycja/Wypełnij/Uwzględnienie zawartości to w praktyce chyba jedno z najpotężniejszych narzędzi do usuwania niechcianych elementów ze zdjęć w Photoshopie. Stosowane jest bardzo często w retuszu zdjęć – szczególnie wtedy, kiedy musisz „pozbyć się” przypadkowych obiektów, plam czy nawet większych fragmentów, które przeszkadzają w kompozycji. W przypadku czerwonych kropek, które pojawiły się na zdjęciu, zastosowanie funkcji Content Aware Fill (czyli Uwzględnienie zawartości) pozwala na inteligentne wypełnienie zaznaczonego obszaru na podstawie analizy pikseli z otoczenia. Photoshop sam dobiera teksturę i kolorystykę, przez co uzyskany efekt wygląda bardzo naturalnie. Moim zdaniem to zdecydowanie szybsza i skuteczniejsza metoda niż ręczne klonowanie czy stemplowanie – szczególnie przy większych powierzchniach lub skomplikowanym tle. Standardy branżowe i workflow profesjonalnych retuszerów bardzo często opierają się właśnie na tym narzędziu, bo pozwala ono zaoszczędzić masę czasu, a jednocześnie efekty są praktycznie nie do odróżnienia od oryginału. Co ciekawe, na przestrzeni lat funkcja ta została bardzo mocno rozwinięta – teraz można nawet podglądać i edytować sposób, w jaki Photoshop dobiera źródłowe piksele. W praktyce przydaje się nie tylko do usuwania drobnych plam, ale też do większych poprawek przy rekonstrukcji zdjęć czy nawet w grafice koncepcyjnej.

Pytanie 12

Czy osoba fotografowana może sprzeciwić się publikacji zdjęcia z jej wizerunkiem?

A. Może, pod warunkiem określenia przyczyny na piśmie.

B. Może, bez podania przyczyny.

C. Nie może się sprzeciwić.

D. Może, pod warunkiem określenia przyczyny ustnie.

Prawo do wizerunku jest jednym z najważniejszych praw osobistych człowieka. W polskim prawie, a konkretnie w ustawie o prawie autorskim i prawach pokrewnych, wyraźnie zaznaczono, że rozpowszechnianie czyjegoś wizerunku wymaga jego zgody. Co ciekawe, osoba fotografowana może się sprzeciwić publikacji swojego zdjęcia bez podania jakiejkolwiek przyczyny – i to jest właśnie kluczowa rzecz, którą warto zapamiętać. To nie jest tak, że trzeba się tłumaczyć, dlaczego nie chce się być pokazanym w internecie, gazecie czy na szkolnej stronie. Z mojego doświadczenia wynika, że w praktyce branżowej zawsze warto uzyskiwać zgodę na piśmie, nawet jeśli prawo nie nakłada obowiązku podania przyczyny odmowy. Fotografowie, dziennikarze czy nawet osoby prowadzące blogi powinny szanować wolę fotografowanego. Nawet jeśli ktoś najpierw wyraził zgodę, a potem zmienił zdanie – ma do tego prawo i nie musi się tłumaczyć. Takie podejście jest zgodne nie tylko z przepisami, ale też z dobrymi obyczajami i etyką zawodową. Branża kreatywna bardzo sobie ceni takie standardy, bo budują zaufanie i profesjonalizm, a także chronią przed niepotrzebnymi sporami. Często spotyka się sytuacje, gdy ktoś publikuje zdjęcie grupowe – wtedy przepisy są nieco inne, ale w przypadku pojedynczego portretu decyzja osoby widocznej na zdjęciu jest decydująca. Warto o tym pamiętać, bo to nie tylko kwestia prawa, ale i szacunku do drugiego człowieka.

Pytanie 13

Ile wynosi optymalna rozdzielczość obrazu cyfrowego przeznaczonego do umieszczenia w internecie?

A. 100 ppi

B. 300 ppi

C. 200 ppi

D. 72 ppi

Optymalna rozdzielczość obrazu cyfrowego przeznaczonego do umieszczenia w internecie to faktycznie 72 ppi (piksele na cal). Wynika to z tego, jak większość monitorów i urządzeń mobilnych przez lata wyświetlała obrazy – 72 ppi stało się takim trochę branżowym standardem i do dziś jest powszechnie stosowane w projektowaniu grafiki na strony www czy do social mediów. Chodzi o to, żeby plik graficzny nie był zbyt ciężki, a jednocześnie wyglądał ostro na typowych ekranach. Przy tej wartości obrazy wyświetlają się szybko, nie obciążając za bardzo serwera ani przeglądarki użytkownika. Co ciekawe, nowoczesne wyświetlacze mają już czasem wyższą gęstość pikseli (np. Retina w produktach Apple), ale mimo tego w praktyce 72 ppi nadal się sprawdza, bo serwisy internetowe często skalują obrazki automatycznie pod wyświetlacz. W codziennej pracy grafika czy web developera ustawia się pliki właśnie na 72 ppi, jeśli mają trafić do internetu, żeby niepotrzebnie nie powiększać ich rozmiarów. Z mojego doświadczenia, jeśli ktoś wrzuca zdjęcia w wyższej rozdzielczości na stronę, to tylko zajmuje miejsce na serwerze i spowalnia ładowanie strony, a efekt wizualny praktycznie się nie zmienia. No i pamiętaj – ppi ma znaczenie tylko podczas przygotowywania do druku lub internetu. W druku sprawa wygląda zupełnie inaczej.

Pytanie 14

Fotografia przedstawiająca jasny obiekt na jasnym tle została zrobiona techniką

A. low key

B. high-key

C. izohelii

D. cyjanotypii

Odpowiedź 'high-key' jest poprawna, ponieważ technika ta charakteryzuje się wykorzystaniem jasnego oświetlenia, które skutkuje dominacją jasnych tonów w obrazie. W fotografii high-key dąży się do minimalizacji kontrastów, co sprawia, że obiekt wyróżnia się na jasnym tle. Tego rodzaju kompozycje są często stosowane w portretach, reklamach oraz fotografii produktowej, gdzie celem jest uzyskanie lekkości i pozytywnego nastroju. Przykładem zastosowania techniki high-key mogą być sesje zdjęciowe dla dzieci, w których delikatne, jasne tła i oświetlenie podkreślają urok i radość. Należy pamiętać, że w tym stylu kluczowe jest odpowiednie ustawienie świateł, aby uzyskać pożądany efekt bez nadmiernej refleksji czy prześwietlenia. W branży fotograficznej technika ta jest uznawana za standard w tworzeniu estetycznych, przyjaznych dla oka obrazów.

Pytanie 15

Obiektyw, którego ogniskowa jest znacznie dłuższa niż przekątna matrycy, a kąt widzenia jest mniejszy od zakresu widzenia ludzkiego oka, nazywamy obiektywem

A. standardowym

B. szerokokątnym

C. zmiennoogniskowym

D. wąskokątnym

Obiektyw standardowy, choć powszechnie wykorzystywany w fotografii, ma długość ogniskowej, która jest zbliżona do przekątnej matrycy, co skutkuje kątem widzenia bliskim kątowi widzenia ludzkiego oka. Wybór nieodpowiedniego obiektywu, jak standardowy, w sytuacjach wymagających zbliżenia, może prowadzić do słabej jakości obrazu oraz zniekształceń. Z kolei obiektywy szerokokątne charakteryzują się krótką ogniskową, co pozwala na uchwycenie szerokiego kąta widzenia, ale nie nadają się do szczegółowego uchwycenia odległych obiektów. W praktyce, użycie obiektywu szerokokątnego w fotografii makro lub portretowej może prowadzić do zniekształceń i niekorzystnych efektów wizualnych. Obiektywy zmiennoogniskowe, chociaż funkcjonalne, nie są również odpowiednie do zadania, które wymaga obiektywu wąskokątnego, ponieważ ich konstrukcja pozwala na zmianę ogniskowej w szerszym zakresie, co wpływa na kąt widzenia. Wybór odpowiedniego obiektywu jest kluczowy w fotografii; zrozumienie tych różnic pozwala uzyskać pożądane efekty artystyczne oraz techniczne w różnych dziedzinach fotografii.

Pytanie 16

Przy oświetleniu rembrandtowskie światło padające na fotografowaną osobę należy ustawić

A. z tyłu za modelem.

B. nieco z góry i boku modela.

C. z góry nad modelem.

D. nieco z góry i na wprost modela.

Temat rembrandtowskiego światła często bywa mylony z innymi tradycyjnymi schematami oświetlenia, co prowadzi do kilku powtarzających się błędów w praktyce fotograficznej. Przede wszystkim, światło ustawione z tyłu za modelem tworzy zupełnie inny efekt – to klasyczny backlight lub światło kontrowe, które mocno oddziela sylwetkę od tła, ale nie modeluje twarzy w sposób charakterystyczny dla stylu Rembrandta. Ustawienie światła ściśle nad modelem daje natomiast efekt bardzo ostrych cieni pod oczami i nosem, czego raczej się unika w portretach, bo wygląda to nienaturalnie i często wręcz postarza. Z kolei światło ustawione nieco z góry, ale dokładnie na wprost modela, to typowy układ beauty lub tzw. frontalny – on niweluje cienie i spłaszcza rysy twarzy, co może być przydatne w zdjęciach modowych, ale nie da oczekiwanej głębi i trójwymiarowości. Błąd polega na tym, że łatwo pomylić efekt delikatnego trójkąta światła z równomiernym oświetleniem, ale w praktyce tylko ustawienie źródła lekko powyżej i z boku powoduje, że cień rzucany przez nos łączy się z cieniem na policzku, pozostawiając charakterystyczny jasny obszar. Typowym złudzeniem jest też przekonanie, że światło ustawione dokładnie z góry daje „profesjonalną” plastykę – niestety, jest to mit, bo taki układ świetnie sprawdza się jedynie przy mocno stylizowanych, dramatycznych portretach, a nie w klasyce. Warto zapamiętać, że najważniejszy w rembrandtowskim świetle jest balans między światłem a cieniem oraz subtelność przejść tonalnych. Jeżeli światło pada z niewłaściwego kąta, efekt nie będzie miał nic wspólnego z oryginałem, a portret utraci całą swoją magię i przestrzenność. To właśnie dlatego tak ważne jest świadome ustawianie lampy – nie tylko pod kątem wysokości, ale też odległości od osi twarzy modela.

Pytanie 17

Przedstawione zdjęcie plenerowe zostało wykonane w planie

A. amerykańskim.

B. ogólnym.

C. pełnym.

D. totalnym.

W opisie przedstawionego zdjęcia warto się dobrze zastanowić nad skalą i proporcjami, jakie prezentuje kadr. Skupiając się na odpowiedziach takich jak plan pełny, ogólny czy amerykański, można łatwo pomylić pojęcia, zwłaszcza jeśli nie ma się praktycznego doświadczenia z analizą obrazów. Plan pełny to taki, gdzie cała postać mieści się w kadrze od stóp do głów, ale nadal jest ona głównym punktem uwagi – tutaj natomiast ludzie są bardzo mali i giną w otoczeniu. Ogólny plan bywa czasem mylony z totalnym, bo oba pokazują szeroką perspektywę, ale plan ogólny to najczęściej kadrowanie większej grupy ludzi lub większej części scenografii, jednak bez aż takiej dominacji przestrzeni, jak w planie totalnym. Plan amerykański natomiast to układ znany z westernów – postać kadrowana mniej więcej od kolan w górę, co pozwala podkreślić bohatera, ale nadal zapewnić mu kontekst otoczenia. Tutaj wyraźnie widać, że to nie ludzie, lecz przestrzeń pustyni jest dominującym elementem zdjęcia. Typowym błędem jest ocenianie planu tylko po ilości widocznych ludzi, a nie po tym, co naprawdę dominuje w kadrze. Z mojego doświadczenia wynika, że takie pomyłki biorą się z automatycznego przyjmowania, że szeroki kadr = plan ogólny, co w praktyce nie zawsze się sprawdza. Warto pamiętać, że profesjonalne podejście do analizy planów wymaga uwzględnienia nie tylko tego, ile widać postaci, lecz także jaki jest stosunek między nimi a otoczeniem. Gdy przestrzeń gra pierwsze skrzypce, mamy do czynienia z planem totalnym, który według branżowych wytycznych opisuje właśnie zdjęcia, gdzie otoczenie jest dużo ważniejsze niż pojedyncze postacie.

Pytanie 18

Aby uzyskać reprodukcję kolorowego oryginału na negatywnym materiale przeznaczonym do ekspozycji na światło dzienne, jakie oświetlenie powinno być zastosowane?

A. skierowane o temperaturze barwowej 3200 K

B. rozproszone o temperaturze barwowej 3200 K

C. skierowane o temperaturze barwowej 5500 K

D. rozproszone o temperaturze barwowej 5500 K

Odpowiedź "rozproszone o temperaturze barwowej 5500 K" jest poprawna, ponieważ idealnie odwzorowuje naturalne światło dzienne, które ma temperaturę barwową w okolicach 5500 K. Przy takim oświetleniu, kolory na materiale negatywowym są reprodukowane bardziej wiernie. Oświetlenie rozproszone minimalizuje cienie i pozwala na równomierne oświetlenie fotografowanej sceny, co jest kluczowe w procesie reprodukcji. Przykładem zastosowania tej metody jest fotografowanie dzieł sztuki, gdzie celem jest jak najwierniejsze odwzorowanie kolorów oryginału. Standardy fotograficzne, takie jak ISO 3664, wskazują na znaczenie odpowiedniej temperatury barwowej w kontekście reprodukcji kolorów, co potwierdza wybór 5500 K jako optymalnego dla tego typu prac. Ponadto, stosując oświetlenie rozproszone, można uniknąć efektu prześwietlenia lub niedoświetlenia, co jest często spotykane przy użyciu źródeł światła o charakterze skierowanym.

Pytanie 19

W którym etapie procesu chemicznej obróbki materiałów fotograficznych występuje redukcja halogenków srebra do srebra atomowego?

A. W etapie wybielania.

B. W etapie wywoływania.

C. W etapie stabilizowania.

D. W etapie utrwalania.

W procesie chemicznej obróbki materiałów fotograficznych to właśnie etap wywoływania odpowiada za kluczową przemianę halogenków srebra w obraz widzialny. Chodzi o to, że podczas wywoływania, związki halogenków srebra, które zostały naświetlone (czyli tam, gdzie docierało światło przez negatyw czy kliszę), ulegają redukcji do srebra metalicznego. To właśnie te cząsteczki srebra tworzą obraz na materiale światłoczułym. Moim zdaniem, to jest ten najważniejszy moment całego procesu – bo dopiero wtedy z niewidocznego obrazu utajonego powstaje coś, co możemy zobaczyć gołym okiem. Warto też pamiętać, że dobrze dobrany czas i temperatura wywoływania są kluczowe – za długi lub za krótki czas może sprawić, że obraz będzie zbyt ciemny albo za jasny. W praktyce profesjonalnej, na przykład w laboratoriach fotograficznych czy nawet w przypadku ręcznego wywoływania filmów w domowych warunkach, stosuje się specjalistyczne wywoływacze o określonej sile redukującej. Z mojego doświadczenia wynika, że dokładne przestrzeganie parametrów producenta chemii fotograficznej pozwala uniknąć błędów typu zamglenie obrazu czy niepełne wywołanie. Standardy branżowe, zwłaszcza te opisane przez ISO 6846 czy normy DIN, bardzo wyraźnie podkreślają znaczenie tego etapu. Ciekawostka: w nowoczesnych procesach cyfrowych nie występuje już wywoływanie w tym sensie, ale w klasycznej fotografii analogowej to podstawa i absolutnie nie da się jej pominąć.

Pytanie 20

Jakie promieniowanie o kolorze jest przepuszczane przez filtr purpurowy?

A. zielonej

B. niebieskiej i czerwonej

C. zielonej i niebieskiej

D. zielonej i czerwonej

Rozważając błędne odpowiedzi, należy zrozumieć, że każde z podejść do wyboru kolorów niezgodnych z filtrami nie opiera się na dobrze ugruntowanej wiedzy dotyczącej spektrum świetlnego. Filtr purpurowy, z definicji, nie przepuszcza zielonego światła, co jest kluczowym aspektem jego działania. Odpowiedzi sugerujące, że filtr ten przepuszcza zieleń, są oparte na mylnym założeniu, że wszystkie kolory są w równym stopniu dostępne przez filtr, co jest nieprawdziwe. Przykładem pomyłki może być wyobrażenie sobie, że filtr purpurowy, działający w zakresie długości fal czerwonych i niebieskich, może też pozwolić na przechodzenie innych barw, mimo że w rzeczywistości jest to technicznie niemożliwe. Ponadto, w kontekście praktycznym, wiele osób myli się, zakładając, że filtry działają na zasadzie ogólnego przepuszczania światła, nie dostrzegając, że każdy filtr ma swoje specyficzne właściwości optyczne. Właściwe zrozumienie działania filtrów jest kluczowe w wielu dziedzinach, takich jak optyka, fotografia czy grafika komputerowa. Prawidłowe użycie filtrów w praktyce wymaga także zrozumienia, które kolory są potrzebne do uzyskania pożądanego efektu, co jest niezbędne w profesjonalnym przetwarzaniu obrazu oraz w standardach jakości w branży kreatywnej.

Pytanie 21

Na zamieszczonym rysunku przedstawiono ikonę narzędzia programu Adobe Photoshop, do której jest przypisane polecenie

A. utwórz maskę warstwy.

B. utwórz warstwę.

C. utwórz nową grupę.

D. utwórz nową warstwę dopasowania.

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Ikona przedstawiona na rysunku to charakterystyczny symbol maski warstwy w Adobe Photoshop. W praktyce maska warstwy umożliwia niesamowicie precyzyjną kontrolę nad widocznością różnych fragmentów warstwy – bez trwałego usuwania danych. Używając maski, zamiast „wycinać” coś gumką, malujesz na niej czernią, bielą lub odcieniami szarości, co pozwala na płynne przejścia, delikatne korekty czy zupełnie nieszablonowe efekty. To jedna z tych funkcji, które bardzo szybko stają się nieodłącznym narzędziem w codziennej pracy – szczególnie jeśli zależy Ci na nieniszczącej edycji grafiki. Moim zdaniem, maski to po prostu must-have w każdym projekcie graficznym, gdzie ważna jest elastyczność i jakość poprawek. Standardem branżowym jest wykorzystywanie masek warstw do tworzenia fotomontaży, retuszu, korekty ekspozycji czy nawet zaawansowanych efektów specjalnych. Co ciekawe, maska działa trochę jak szyba: czarne obszary blokują widoczność warstwy, białe wszystko pokazują, a szarości dają przezroczystość częściową. To genialne narzędzie do eksperymentów i kreatywnej pracy, bo zawsze można coś poprawić, cofnąć albo całkowicie zmienić koncepcję bez utraty jakości. Warto też wiedzieć, że maski są obecne niemal w każdym profesjonalnym workflow graficznym i są promowane we wszystkich kursach oraz materiałach edukacyjnych z zakresu grafiki komputerowej.

Pytanie 22

W aparacie lustrzanym, podczas robienia zdjęcia, obraz w wizjerze staje się na chwilę niewidoczny, ponieważ

A. zamyka się migawka

B. ustawia się ostrość

C. otwiera się przesłona

D. zmienia się ustawienie lustra

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
W lustrzance jednoobiektywowej (DSLR) obraz w wizjerze staje się niewidoczny w momencie, gdy aparat rejestruje zdjęcie, ponieważ zmienia się pozycja lustra. W standardowej konstrukcji DSLR znajdują się dwa lustra: jedno, które kieruje światło do wizjera, oraz drugie, które odbija światło w kierunku matrycy, gdy naciśniesz spust migawki. Kiedy aparat jest gotowy do zrobienia zdjęcia, lustro unosi się, co powoduje, że obraz zniknie z wizjera na krótki moment. To zjawisko jest integralną częścią procesu fotografowania w lustrzankach, ponieważ pozwala na dokładny pomiar ekspozycji i ostrości. Praktyczne zastosowanie tej wiedzy leży w zrozumieniu, jak działa aparat, co ułatwia dostosowanie ustawień do różnych warunków oświetleniowych oraz kompozycji fotografii. Zrozumienie mechanizmu działania lustra w DSLR jest kluczowe dla efektywnego korzystania z tego typu sprzętu i uzyskania pożądanych efektów wizualnych. Warto również zauważyć, że zmiana pozycji lustra jest standardową normą w projektowaniu lustrzanek, co podkreśla ich unikalność w porównaniu z innymi typami aparatów, takimi jak bezlusterkowce.

Pytanie 23

Jakiej techniki należy użyć, aby uzyskać efekt miękkiej, rozmytej wody w fotografii krajobrazowej?

A. Niskiej wartości przysłony

B. Stosowania lampy błyskowej

C. Długiego czasu naświetlania

D. Wysokiej wartości ISO

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Aby w fotografii krajobrazowej uzyskać efekt miękkiej, rozmytej wody, kluczowe jest wykorzystanie długiego czasu naświetlania. Jest to technika, która pozwala na uchwycenie ruchu wody w sposób płynny i subtelny. Gdy stosujemy długi czas naświetlania, każdy ruch elementów w kadrze, takich jak woda, zostaje rozmyty, co tworzy efekt jedwabistej, delikatnej tekstury. W praktyce oznacza to, że woda w rzece, wodospadzie lub morzu, zamiast być zamrożona w jednym momencie, wygląda na miękką i płynącą. Aby uzyskać ten efekt, często stosuje się statyw, który zapobiega poruszeniu aparatu i utrzymuje ostrość innych elementów kadru. Długi czas naświetlania to jedna z ulubionych technik profesjonalistów, ponieważ dodaje zdjęciu dynamiki i artystycznego wyrazu. Można również użyć filtra ND (neutral density), który redukuje ilość światła wpadającego do obiektywu, co pozwala na wydłużenie czasu naświetlania w warunkach jasnego oświetlenia. Ta technika to nie tylko kwestia sprzętu, ale także wyczucia i umiejętności przewidywania, jak ruchy wody ułożą się na zdjęciu.

Pytanie 24

Tryb pracy aparatu fotograficznego oznaczony symbolem M oznacza

A. manualny dobór parametrów ekspozycji

B. tryb programowy z automatycznym doborem parametrów

C. automatyczny dobór ekspozycji z preselekcją czasu

D. automatyczny dobór ekspozycji z preselekcją przysłony

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Odpowiedź 'manualny dobór parametrów ekspozycji' jest prawidłowa, ponieważ tryb oznaczony literą M w aparatach fotograficznych rzeczywiście oznacza pełną kontrolę nad ustawieniami ekspozycji. W tym trybie fotograf ma możliwość samodzielnego ustawienia zarówno czasu naświetlania, jak i wartości przysłony. Dzięki temu możemy precyzyjnie dostosować sposób, w jaki światło wpada do aparatu, co jest kluczowe w fotografii artystycznej czy w warunkach o zmiennym oświetleniu. Przykładowo, w ciemnym pomieszczeniu, zmniejszenie wartości przysłony (większa liczba f) oraz wydłużenie czasu naświetlania pomoże uchwycić więcej światła, podczas gdy w jasnym świetle słonecznym można użyć krótszego czasu naświetlania oraz mniejszej przysłony, aby uniknąć prześwietlenia. Tryb M jest często preferowany przez profesjonalnych fotografów, ponieważ pozwala na pełną kontrolę nad efektem końcowym zdjęcia, co zwiększa kreatywność podczas pracy. To właśnie w tym trybie można najlepiej wykorzystać umiejętności i wiedzę na temat ekspozycji, co czyni go niezwykle cennym narzędziem w rękach kreatywnych fotografów.

Pytanie 25

Oświetlenie Rembrandt w fotografii portretowej charakteryzuje się

A. silnym światłem konturowym podkreślającym sylwetkę

B. charakterystycznym trójkątem światła na policzku modela

C. miękkim światłem rozproszonym z frontu

D. równomiernym oświetleniem całej twarzy bez cieni

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Oświetlenie Rembrandt w fotografii portretowej jest techniką, która wykorzystuje naturalne zjawiska świetlne do kreowania głębi i charakteru w portretach. Kluczowym elementem tej metody jest charakterystyczny trójkąt światła, który pojawia się na policzku modela naprzeciwko źródła światła. Trójkąt ten jest efektem zastosowania światła bocznego i górnego, co pozwala na wydobycie rysów twarzy oraz nadanie im trójwymiarowości. W praktyce, aby uzyskać taki efekt, fotograf powinien ustawić źródło światła pod kątem 45 stopni względem modela, co sprawi, że cienie będą tworzyć naturalny kontur twarzy. Ta technika jest szczególnie ceniona w portretach, ponieważ nadaje im dramatyzmu i ekspresji, a także jest zgodna z zasadami klasycznego oświetlenia w malarstwie. Na przykład, wielu znanych fotografów i malarzy, takich jak Rembrandt, który nadał tej technice nazwę, stosowało ją, aby uchwycić emocje i osobowość portretowanych osób. Warto zaznaczyć, że oświetlenie Rembrandt jest doskonałym narzędziem do kreowania atmosfery, co czyni je bardzo popularnym w fotografii reklamowej i modowej."

Pytanie 26

Aby uzyskać ciepły ton kolorystyczny podczas fotografowania przy użyciu lamp błyskowych, należy

A. użyć filtru zmniejszającego temperaturę barwową

B. zwiększyć moc błysku

C. zredukować moc błysku

D. użyć filtru podnoszącego temperaturę barwową

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Zastosowanie filtru obniżającego temperaturę barwową jest kluczowym krokiem w procesie fotografowania w sztucznym świetle, zwłaszcza gdy używamy lamp błyskowych. Filtry tego rodzaju, znane także jako filtry CTB (Color Temperature Blue), mają na celu zredukowanie ciepłych tonów, które mogą dominować w wyniku wykorzystania lamp błyskowych o wyższej temperaturze barwowej. Przykładowo, w sytuacjach, gdy fotografujemy w pomieszczeniach o ciepłym świetle żarowym, zastosowanie filtru pozwala na zachowanie naturalnych kolorów i uzyskanie bardziej neutralnego obrazu. Dobrze dobrany filtr może także zminimalizować różnice w odcieniach skóry, co jest szczególnie istotne w portretach. Według standardów branżowych, odpowiednie użycie filtrów jest nie tylko techniką poprawiającą estetykę zdjęć, ale również narzędziem zgodnym z najlepszymi praktykami w fotografii, co gwarantuje uzyskanie wysokiej jakości obrazu. Warto również pamiętać, że filtry mogą wpływać na ekspozycję i wymagają czasem dostosowania parametrów aparatu, aby zrekompensować ich wpływ na światło.

Pytanie 27

Fotografia przedstawia rodzaj kompozycji

A. symetria.

B. linia horyzontu.

C. przekątna.

D. obramowanie.

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Obramowanie, znane w fotografii jako tzw. framing, to bardzo ciekawa technika kompozycyjna, która polega na wykorzystaniu elementów otoczenia do otoczenia głównego motywu zdjęcia niejako ramą. W tym przypadku łuk oraz ściany tworzą wyraźne, geometryczne obramowanie dla palmy i widoku na morze. Dzięki temu spojrzenie odbiorcy automatycznie kieruje się na właściwy temat fotografii. Moim zdaniem, ta metoda daje zdjęciom naturalną głębię i taką jakby warstwowość – patrząc przez coś, mamy wrażenie trójwymiarowości. W praktyce spotykam się z tym zabiegiem na wielu dobrych fotografiach architektury, krajobrazów czy nawet portretach. Ramą mogą być drzwi, okna, gałęzie drzew, a nawet cienie – kreatywność fotografa jest tu właściwie nieograniczona. Według klasycznych podręczników fotografii (np. Michael Freeman „Okiem fotografa”), obramowanie pozwala nie tylko wyróżnić główny temat, ale i uporządkować chaos na zdjęciu. To jeden z fundamentów dobrej kompozycji – zauważ, ile osób z branży sięga po ten zabieg, chcąc uatrakcyjnić swoje prace. Z mojego doświadczenia, dobrze zastosowane framing naprawdę potrafi wyciągnąć ze zdjęcia to „coś”.

Pytanie 28

Fotografia przedstawia błąd kadrowania określany jako

A. kompozycja centralna.

B. horyzont w połowie.

C. skrót perspektywy.

D. krzywy horyzont.

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Krzywy horyzont to jeden z najczęściej spotykanych błędów w fotografii krajobrazowej i miejskiej. Polega na tym, że linia horyzontu – która powinna być ustawiona poziomo względem krawędzi kadru – jest przechylona w jedną ze stron. Moim zdaniem, ten błąd mocno zaburza odbiór zdjęcia, bo ludzki mózg automatycznie oczekuje, że horyzont będzie prosty, szczególnie na fotografiach morza, jeziora czy pól. Praktycznie rzecz biorąc, krzywy horyzont sprawia, że zdjęcie wydaje się nieprofesjonalne i chaotyczne, nawet jeśli samo światło czy kompozycja są ciekawe. Standardy branżowe wprost mówią: jeśli nie masz wyraźnego powodu artystycznego, żeby przechylać kadr, horyzont ma być prosty. W programach graficznych korekta tego błędu jest banalna – wystarczy narzędzie do obracania obrazu. Fajnie jest też korzystać z siatki poziomów w aparacie, bo to pomaga od razu zachować poprawną linię horyzontu. Z mojego doświadczenia, nawet drobny przechył o kilka stopni potrafi zniszczyć efekt pracy. To naprawdę jeden z tych szczegółów, które odróżniają amatora od bardziej świadomego fotografa.

Pytanie 29

Zaletą obiektywu zmiennoogniskowego jest zdolność

A. wymiany układu optycznego

B. stopnia pochylenia osi optycznej

C. regulacji długości ogniskowej

D. przesunięcia osi optycznej

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Obiektyw zmiennoogniskowy charakteryzuje się możliwością regulacji długości ogniskowej, co oznacza, że użytkownik może dostosować kąt widzenia za pomocą prostego mechanizmu powiększania lub pomniejszania obrazu. Dzięki tej funkcji obiektywy te są niezwykle wszechstronne i są szeroko stosowane w fotografii oraz filmowaniu, umożliwiając uchwycenie różnych kadrów bez konieczności zmiany obiektywu. Na przykład, w sytuacjach, gdy chcemy uchwycić zarówno szerokie ujęcie krajobrazu, jak i szczegóły architektoniczne, obiektyw zmiennoogniskowy pozwala na płynne przechodzenie pomiędzy różnymi wartościami ogniskowych. W praktyce obiektywy te są preferowane w reportażu, gdzie elastyczność i szybkość reakcji są kluczowe. Warto zaznaczyć, że obiektywy zmiennoogniskowe są również projektowane z myślą o minimalizacji zniekształceń optycznych i aberracji, co przekłada się na wysoką jakość obrazu. Dobre praktyki w fotografii sugerują, aby użytkownicy regularnie sprawdzali ustawienia swojego obiektywu, aby maksymalizować jego potencjał w różnych warunkach oświetleniowych.

Pytanie 30

W analogowej fotografii na materiale światłoczułym typu 135 obiektyw uznawany za portretowy charakteryzuje się ogniskową

A. 18 mm

B. 50 mm

C. 135 mm

D. 24 mm

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Obiektyw o ogniskowej 135 mm jest uznawany za portretowy w fotografii analogowej, ponieważ zapewnia odpowiednią perspektywę oraz kompresję obrazu, co jest kluczowe dla uchwycenia naturalnego wyglądu portretowanych osób. Ogniskowa 135 mm pozwala na uzyskanie ładnego rozmycia tła, co wydobywa główny obiekt zdjęcia, czyli osobę na portrecie, na pierwszy plan. Takie podejście jest zgodne z dobrymi praktykami w dziedzinie portretowania, gdzie istotne jest, aby uwydatnić detale twarzy oraz uniknąć zniekształceń, które mogą występować przy krótszych ogniskowych. Warto zauważyć, że obiektywy portretowe często mają też większą przysłonę, co umożliwia uzyskanie płytkiej głębi ostrości i lepszego bokeh, co jest pożądane w portretach. W praktyce, wielu fotografów korzysta z obiektywów 135 mm do sesji zdjęciowych w studio oraz w plenerze, gdzie taka ogniskowa sprawdza się idealnie do uchwycenia emocji i charakteru modela.

Pytanie 31

Wykonanie zdjęcia dziewczyny w technice high key wymaga zorganizowania przestrzeni

A. obrazowej z czarnym tłem.

B. obrazowej z białym tłem.

C. przedmiotowej z białym tłem.

D. przedmiotowej z czarnym tłem.

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Technika high key w fotografii to taki styl, w którym dominuje jasne, równomierne oświetlenie, minimalna ilość cieni, a tła często są praktycznie białe, wręcz prześwietlone, żeby uzyskać efekt lekkości i czystości kadru. W praktyce oznacza to, że trzeba zorganizować przestrzeń przedmiotową (czyli miejsce, gdzie modelka pozuje i gdzie ustawiasz światła i tło) właśnie z białym tłem. Tego wymaga zarówno teoria, jak i praktyka fotograficzna, bo wtedy światło dobrze się rozprasza, nie pojawiają się niechciane czarne plamy, a całość zdjęcia wygląda bardzo "czysto" i profesjonalnie. Fotografowie mody czy portretowi często korzystają z tego rozwiązania, bo ono świetnie podkreśla delikatność skóry, nadaje fotografii taki nowoczesny, atrakcyjny look. Z mojego doświadczenia wynika, że ustawienie białego tła (np. specjalnej papierowej blendy lub rozciągniętego materiału) i skierowanie na nie dodatkowego światła pozwala uzyskać bardzo neutralne kolory i uniknąć kłopotliwych dominant barwnych. Często korzysta się też z softboxów lub innych modyfikatorów światła, żeby wyeliminować ostre cienie. Przy high key ważna jest też kontrola ekspozycji – lepiej trochę prześwietlić niż mieć szare lub brudne biele. Tak pracują najlepsi fotografowie reklamowi i portretowi – precyzja i powtarzalność są tutaj kluczowe. Dobrze zapamiętać sobie tę zasadę, bo często pojawia się na egzaminach zawodowych i w praktyce zleceń komercyjnych.

Pytanie 32

Jakiego filtru fotograficznego należy użyć do uzyskania właściwej reprodukcji kolorów na zdjęciu, wykonanym w plenerze przy naturalnym oświetleniu, wykorzystując film stworzony do światła żarowego?

A. Konwersyjny niebieski

B. Konwersyjny łososiowy

C. Korekcyjny łososiowy

D. Korekcyjny niebieski

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Odpowiedź z filtrami konwersyjnymi łososiowymi jest jak najbardziej na miejscu, bo działa to tak, że filtr ten kompensuje zafarb, który może się pojawić przy fotografowaniu w świetle żarowym. Światło żarowe ma tendencję do nadawania pomarańczowych tonów, co powoduje, że kolory wyglądają nienaturalnie. Filtr łososiowy dodaje trochę chłodniejszych odcieni, co pomaga zrównoważyć te ciepłe kolory i sprawia, że zdjęcia są bardziej realistyczne. Bardzo przydaje się to zwłaszcza w pomieszczeniach, gdzie źródło światła to tradycyjne żarówki. W branży fotograficznej standardowo korzysta się z filtrów, aby dostosować kolorystykę do źródła światła, co jest ważne, żeby kolory były wiernie oddane. Dodatkowo, filtry konwersyjne pomagają uzyskać jednorodną kolorystykę, gdy robimy zdjęcia w różnych warunkach oświetleniowych, co jest kluczowe dla profesjonalistów. Nie zapominaj też o kwestiach technicznych, takich jak kontrast i jasność obrazu, które też mogą być zmieniane przez odpowiednie filtry.

Pytanie 33

Dedykowane narzędzie do zarządzania biblioteką zdjęć i ich wstępnej obróbki to

A. Adobe Lightroom

B. Adobe Illustrator

C. Adobe InDesign

D. CorelDRAW

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Adobe Lightroom to specjalistyczne oprogramowanie zaprojektowane z myślą o fotografach, które umożliwia zarządzanie dużą ilością zdjęć oraz ich wstępną obróbkę. Program ten oferuje zaawansowane narzędzia do kategoryzacji, tagowania oraz przeszukiwania zdjęć, co jest niezwykle istotne w pracy z dużymi zbiorami fotograficznymi. Dzięki Lightroomowi można łatwo organizować zdjęcia w kolekcje, co znacząco ułatwia pracę nad projektami fotograficznymi. Oferuje również wiele funkcji edycyjnych, takich jak korekta kolorów, dostosowanie jasności, czy retusz, co pozwala na przygotowanie zdjęć do publikacji. To oprogramowanie wspiera również standardy pracy w branży, na przykład poprzez obsługę profili kolorów, co jest kluczowe dla uzyskania spójnych rezultatów w różnych mediach. Użytkownicy doceniają również możliwość synchronizacji z urządzeniami mobilnymi, co pozwala na edycję zdjęć w dowolnym miejscu. Lightroom stał się niezbędnym narzędziem w warsztacie wielu profesjonalnych fotografów.

Pytanie 34

Do prawidłowego wykonania zdjęcia panoramicznego z kilku ujęć należy

A. stosować różne parametry ekspozycji dla każdego ujęcia

B. zmieniać ogniskową obiektywu między ujęciami

C. zachować około 30% nakładania się sąsiednich kadrów

D. fotografować bez użycia statywu

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Aby poprawnie wykonać zdjęcie panoramiczne z kilku ujęć, kluczowe jest zachowanie odpowiedniego nakładania się kadrów. Zaleca się, aby to nakładanie wynosiło około 30%. Dzięki temu programy do łączenia zdjęć mają wystarczająco dużo informacji do precyzyjnego dopasowania kadrów, co minimalizuje ryzyko powstania widocznych złączy i artefaktów. Przykładowo, podczas fotografowania panoramicznego krajobrazu, jeśli robisz zdjęcia z lewej do prawej strony, upewnij się, że każdy nowy kadr ma około jedną trzecią powierzchni, która pokrywa się z poprzednim. Dobre praktyki sugerują również, aby nie zmieniać ustawień aparatu pomiędzy ujęciami, co pomaga w zachowaniu spójności kolorystycznej i ekspozycyjnej. Zawsze warto używać statywu, aby utrzymać stabilność i równą wysokość między ujęciami. Takie podejście zwiększa szansę na uzyskanie płynnej i estetycznej panoramy, co jest szczególnie ważne w profesjonalnej fotografii.

Pytanie 35

W aplikacji Adobe Photoshop do modyfikacji koloru oczu na fotografii stosuje się funkcję

A. maska i skraplanie

B. zaznaczenie i balans koloru

C. maska i kontrast

D. zaznaczenie i rączka

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Zaznaczenie i balans koloru to kluczowe techniki w programie Adobe Photoshop, które pozwalają na skuteczną zmianę koloru oczu na zdjęciach. Proces zaznaczania umożliwia precyzyjne wyodrębnienie obszaru oczu, co jest niezbędne do dalszej obróbki. Można to osiągnąć przy użyciu narzędzia zaznaczania, jak na przykład Lasso lub Zaznaczanie szybkie, które pozwala na dokładną izolację obszaru, który chcemy edytować. Następnie, po zaznaczeniu, możemy zastosować opcję balansu koloru, która pozwala na korekcję kolorystyczną wybranego obszaru. Dzięki tej funkcji możemy łatwo dostosować nasycenie, tonalność oraz odcienie kolorów, co jest szczególnie przydatne przy zmianie koloru tęczówki. Dobre praktyki w obróbce zdjęć zalecają używanie warstw, co umożliwia zachowanie oryginalnego obrazu bez trwałych modyfikacji. Warto także pamiętać o używaniu maski warstwy, co daje dodatkową kontrolę nad efektami, pozwalając na dalsze dostosowanie edytowanego obszaru. Efekt końcowy powinien wyglądać naturalnie, co wymaga precyzji w doborze kolorów oraz subtelności w nanoszeniu zmian, aby uniknąć sztucznego efektu.

Pytanie 36

Jaką metodę rejestracji należy wybrać, aby uzyskać poprawny kolorowy obraz negatywowy?

A. Fotochemiczną

B. Hybrydową

C. Elektrofotograficzną

D. Spektrostrefową

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Metoda fotochemiczna jest kluczowa w procesie uzyskiwania negatywów barwnych, ponieważ opiera się na reakcji światła z materiałem światłoczułym, co prowadzi do zmiany jego właściwości chemicznych. W przypadku negatywu barwnego, zastosowanie emulsji zawierających różne barwniki pozwala na uzyskanie pełnej gamy kolorów. W praktyce, podczas wykonywania zdjęć w metodzie fotochemicznej, naświetlone obszary emulsji reagują na światło, co skutkuje powstawaniem negatywów, które można następnie przetwarzać w celu uzyskania pozytywów. Przykładowo, w tradycyjnej fotografii analogowej, proces wywoływania negatywów barwnych opiera się na odpowiednich chemikaliach i temperaturze, co jest zgodne ze standardami branżowymi, takimi jak ISO 12300, które regulują jakość i metodykę pracy z materiałami fotograficznymi. Warto również wspomnieć, że w przypadku negatywów barwnych, różnorodność emulsji oraz precyzyjne naświetlenie mają bezpośredni wpływ na końcową jakość obrazu, co czyni tę metodę niezastąpioną w profesjonalnej fotografii.

Pytanie 37

Podczas robienia zdjęć w plenerze ustalone zostały parametry ekspozycji:
— przysłona 5,6
— czas naświetlania 1/125 s Jakie parametry powinny zostać zastosowane w tych samych warunkach oświetleniowych, aby uzyskać większą głębię ostrości przy zachowaniu prawidłowej ekspozycji?

A. f/16 i 1/125 s

B. f/5,6 i 1/60 s

C. f/2 i 1/1000 s

D. f/8 i 1/60 s

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Odpowiedź f/8 i 1/60 s jest prawidłowa, ponieważ zmieniając przysłonę z f/5.6 na f/8, zwiększamy głębię ostrości, co jest kluczowe w fotografii plenerowej, gdy chcemy uchwycić więcej elementów w ostrości. Zmiana przysłony na f/8 oznacza, że otwór przysłony jest mniejszy, co prowadzi do większej głębi ostrości. Przy zachowaniu czasu naświetlania 1/60 s, w porównaniu do 1/125 s, zwiększamy możliwość uchwycenia więcej detali w tle bez wpływu na ekspozycję. W takich warunkach oświetleniowych zmiana przysłony na f/8 wymaga dostosowania czasu naświetlania, aby zrekompensować zmniejszenie ilości światła wpadającego do obiektywu. Warto zaznaczyć, że w fotografii korzystamy z reguły odwrotności, według której zmiana przysłony o jeden krok (np. z f/5.6 na f/8) wymaga zmiany czasu naświetlania o jeden krok w przeciwnym kierunku. Dlatego zastosowanie 1/60 s (wolniejszego czasu naświetlania) jest odpowiednie do uzyskania prawidłowej ekspozycji przy większej głębi ostrości.

Pytanie 38

Aby uchwycić postać w pełnym wymiarze na zdjęciu, należy zmieścić

A. całą postać

B. połowę postaci

C. wyłącznie głowę

D. postać do kolan

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Wykonanie zdjęcia postaci w pełnym planie oznacza uchwycenie jej w całości, co jest kluczowe dla oddania zarówno detali postaci, jak i kontekstu otoczenia. W pełnym planie osoba jest umieszczona w kadrze od stóp do głowy, co pozwala na zaprezentowanie postawy, mimiki oraz emocji. Taki sposób kadrowania jest powszechnie stosowany w fotografii portretowej, reklamowej oraz w filmie, gdzie istotne jest pokazanie, jak postać wchodzi w interakcję z otoczeniem. Przykładem takiego zastosowania może być zdjęcie modela w odzieży, które ma na celu zaprezentowanie nie tylko samego ubrania, ale także stylu, w jakim jest noszone. Warto pamiętać, że stosowanie pełnego planu w fotografii zachowuje proporcje i pozwala widzowi na lepsze zrozumienie kompozycji. Dobrą praktyką jest również zwrócenie uwagi na tło i jego wpływ na odbiór postaci, aby całość była harmonijna i przyciągająca wzrok.

Pytanie 39

W fotografii studyjnej Beauty do modelowania światła na twarzy modelki najczęściej używa się

A. softboxu prostokątnego 60×90 cm

B. czaszy beauty dish z honeycomb

C. reflektora z soczewką Fresnela

D. strumienicy z filtrem czerwonym

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Czasza beauty dish z honeycomb jest uznawana za jeden z najlepszych modyfikatorów światła w fotografii studyjnej beauty, ponieważ pozwala na bardzo precyzyjne modelowanie światła na twarzy modelki. Dzięki swojej charakterystycznej, spłaszczonej formie, beauty dish generuje miękkie, ale wyraźne cienie, co jest kluczowe w tym typie fotografii. Honeycomb, czyli siatka, która można założyć na czaszę, dodatkowo kieruje światło, ograniczając jego rozpraszanie i tworząc bardziej kontrolowane oświetlenie. To umożliwia lepsze podkreślenie rysów twarzy oraz uzyskanie efektu trójwymiarowości, co jest szczególnie ważne przy pracy z modelkami. W praktyce, używając takiego rozwiązania, możesz uzyskać bardzo atrakcyjne zdjęcia, które dobrze oddają zarówno detale makijażu, jak i naturalny blask skóry. Beauty dish z honeycomb jest więc standardem w branży, idealnie wpisującym się w potrzeby fotografów zajmujących się portretami i sesjami beauty.

Pytanie 40

Oświetlenie padające na obiekt fotografowany jest mierzone przy użyciu zewnętrznego światłomierza

A. bez dyfuzora, skierowanym w stronę aparatu fotograficznego

B. z dyfuzorem, skierowanym w stronę fotografowanego obiektu

C. z dyfuzorem, skierowanym w stronę aparatu fotograficznego

D. bez dyfuzora, skierowanym w stronę źródła światła

Brak odpowiedzi na to pytanie.

Wyjaśnienie poprawnej odpowiedzi:
Odpowiedź "z dyfuzorem, skierowanym w stronę aparatu fotograficznego" jest poprawna, ponieważ dyfuzor ma na celu rozproszenie światła padającego na fotografowany obiekt, co pozwala na uzyskanie bardziej jednolitego i naturalnego oświetlenia. Kiedy korzystamy z dyfuzora, światło nie jest skierowane bezpośrednio z jednego źródła, co zmniejsza intensywność cieni i refleksów, a tym samym podnosi jakość zdjęć. Użycie dyfuzora jest szczególnie istotne w sytuacjach, gdy obiekt jest oświetlany przez silne światło, takie jak słońce lub mocne lampy studyjne. Dyfuzor działa również jako filtr, co pozwala na uzyskanie lepszej reprodukcji kolorów i bardziej naturalnych tonów skórnych w portretach. Zgodnie z najlepszymi praktykami w fotografii, pomiar światła za pomocą światłomierza z dyfuzorem pozwala na precyzyjne dostosowanie ekspozycji aparatu, co jest kluczowe dla uzyskania profesjonalnych rezultatów w różnych warunkach oświetleniowych. Warto również zauważyć, że w sytuacjach o zmiennym oświetleniu, użycie dyfuzora pomaga stabilizować pomiary, co jest niezwykle istotne dla zachowania konsekwencji w serii zdjęć.

Rozpocznij nowy egzamin

Powrót do strony głównej